Queremos comunicarles a todos los visitantes de esta pagina que pueden seguir mas videos en youtube poniendo en el buscador Domaris... Les informamos de que podemos ayudarles a montar coreografias mediante videos...
Continuen Bailando para que este arte no muera nunca... Saludos ^^
lunes, 23 de enero de 2012
Comienzan las entrevistas y videos !!
En este trimestre os vamos a mostrar diferentes clases de bailes...entre ellos el primero será una demostración de Baile moderno fusionado con Cabaret, baile que pasó a utilizarse internacionalmente para denominar a las salas de espectáculos, generalmente nocturnos, que suelen combinar música, danza y canción, pero que pueden incluir también la actuación de humoristas, ilusionistas, mimos y muchas otras artes escénicas. Os dejamos con una demostración de cabaret con un toque moderno realizado por los alumnos del instituto A.Machado en compañia de A.Morales. Domaris. Yessica Valdivia y con loa colaboración de Alejandro Mohedano Esperamos que os guste. =)
domingo, 18 de diciembre de 2011
Historia del baile Clásico
El ballet se originó a finales del siglo XV,
a partir de los números de danza que se
representaban en los festines de las cortes
italianas. Estos elaborados espectáculos que
desprendían pintura, poesía, música y danza,
tenían lugar en grandes salas que se utilizaban
tanto para banquetes como para bailes. Su
contenido era normalmente alegórico-mitológico.
Los ballets cortesanos italianos fueron
ampliamente desarrollados en Francia. El
Ballet cómico de la Reina, el primer ballet
del que sobrevive una partitura completa, se
estrenó en París en 1581. Fue creado por
Beaujoyeux y bailado por aristócratas aficionados en un salón con la familia real sobre un estrado al fondo y los espectadores en las galerías de los otros tres lados del salón. Ello determinó el carácter de los futuros ballets cortesanos, que cristalizaron en el siglo XVII en las diferentes cortes europeas con sus presuntuosos vestuarios, decoración, fuentes artificiales, luminotecnia, etc.
El ballet de corte alcanzó su cumbre durante
el reinado de Luis XIV (1643-1715), cuyo
nominativo de “Rey Sol” derivó de un papel
que ejecutó en un ballet. Muchos de los ballets
presentados en su corte fueron creados por el
compositor italiano francés Jean Baptiste Lully
y el coreógrafo francés Pierre Beauchamps, a
quien se atribuye la determinación de las cinco
posiciones básicas de colocación.
En 1661, Luis XIV fundó la “Academia Real de
la Danza” para maestros . La danza empezaba
a configurarse como una disciplina profesional.
En un primer momento solo los hombres podían
participar, y los papeles femeninos los realizaban
estos mismos disfrazados. Las primeras
bailarinas aparecieron en 1681 en un ballet
llamado “El triunfo del amor”.
La técnica de la danza en este periodo,
recogida por Raoul Feuillet en su libro
“Coreografía”, incluía pasos y posiciones
todavía identificables. Se desarrolló una
nueva forma teatral: la ópera ballet, que
abarcaba el canto y la danza en una serie
de danzas unidas por un tema común.
Los bailarines del siglo XVIII se veían
entorpecidos por los trajes, zapatos, pelucas
y miriñaques.
Fue Marie Anne Camargo quien acortó las
faldas y empezó a usar zapatillas sin tacón,
para exhibir sus pasos y saltos. Su rival, María
Sallé desechó el corsé y se colocó túnicas griegas
para bailar “Pigmalión”.
A pesar del virtuosismo de los bailarines
franceses, los coreógrafos que trabajaban
fuera de París consiguieron una expresión más
dinámica en sus ballets. Fue John Weaver quien
eliminó las palabras e intentó transmitir sentido
dramático por medio de la danza y el gesto. En
Viena se dio a conocer la pantomima.
En este sentido hay que destacar la figura de
Jean Georges Noverre, cuyas Cartas sobre la
danza y los ballets (1760) ejercieron una notable
influencia. Para él, los movimientos debían fluir
naturales y armónicos. Noverre encontró una
oportunidad para plasmar sus ideas en Stuttgart, A
lemania, donde produjo por primera vez
“Medea y Jasón”.
Jean Dauberval, alumno del anterior, en su
ballet “La fille mal gardée” (La muchacha mal
custodiada, 1789) aplicó los principios de su
maestro.
La danza en puntas empezó a desarrollarse,
aunque los bailarines se ponían de punta sólo
unos instantes, ya que aún no se habían inventado
las zapatillas de punta dura.
El ballet "Las Sílfides", cuya primera
representación tuvo lugar en París, inauguró
el período del ballet romántico. María Taglioni,
solista, interpretaba una criatura sobrenatural
que es amada y destrozada de forma involuntaria
por un mortal. Las sílfides inspiraron muchos
cambios en los ballets de la época.
También debemos mencionar “Giselle” (1841),
con música de Adam y coreografía de Jean Coralli.
El ballet romántico, sin embargo, no se inspiró
exclusivamente en temas sobre seres de otro
mundo.
Las mujeres dominaban (y aún lo siguen haciendo)
en el ballet romántico.
Entre el ballet que vivía un proceso expansivo en
Europa y la escuela bolera (danza académica
española) surgió un importante vínculo. Los temas
españoles comenzaron a estar de moda en los
repertorios de los ballets. El gran Marius Petipa
cristalizó la esencia española dentro del ballet
clásico, produciendo entre 1847 y 1888 junto
a Ivanov una serie de ballets y fragmentos de
aire y estilo españoles que son verdaderas obras
maestras.
Pero en Europa el ballet empezaba a perder
interés. Durante la segunda mitad del siglo XIX
se produjeron pocos ballets destacables en la
Ópera. Aunque sí que podemos señalar
“Coppélia”, “Sylvia” y “La fuente”, con
música de Leo Delibes.
Rusia, sin embargo, sí que siguió con la tradición
del ballet, gracias al coreógrafo Marius Petipa.
Entre sus obras están los ballets quizás más
conocidos: “La bella durmiente” (1890), “El lago
de los cisnes” y “Cascanueces”, las tres en
colaboración con Liev Ivanov, sobre música de
Piotr Ilich TChaikovski.
Petipa llegó a convertirse en un punto de
referencia. Fokine hizo hincapié en la idea de
la expresividad.
Los Ballets Rusos, fundados por S. Diaghilev con
la colaboración del anterior, supusieron el inicio
del ballet moderno. Supuso el resurgir de la figura
masculina que había sido olvidada y la aparición
de nombres como Vaslav Nijinski. La compañía
creó un gran número de nuevas piezas, incluido un
ballet de un solo acto de Fokine de temática
oriental: “El pájaro de fuego” (1910),
“Sheherazade” (1910) y “Petruska” (1911).
Diaghilev contrató no solo a compositores y
coreógrafos sino también a artistas, pintores,
poetas y compositores de Europa occidental,
como Pablo Picasso y Maurice Ravel, para
colaborar con los ballets. George Balanchine, y
el bailarín y coreógrafo ruso francés Serge Lifar
abrieron nuevos horizontes al ballet.
Aquellos artistas que habían colaborado en la
compañía contribuyeron al florecimiento del ballet
en Europa y América. Anna Pavlova, que bailó en
las primeras épocas de los Ballets, creó su propia
compañía. Fokine trabajó con el futuro American
Ballet Theatre. Massine colaboró con el Ballet
Ruso de Monte Carlo, compañía creada tras la
muerte de Diáguilev. Dos antiguos miembros de
los Ballets Rusos, Marie Rambert y Ninette de
Valois, colaboraron en la difusión británica del
ballet. De Valois fundó la compañía que llegaría a
ser el Britain’s Royal Ballet.
Entre los años 1920 y 1930 comenzó a
desarrollarse en Estados Unidos y Alemania
la danza moderna. Martha Graham, Doris
Humphrey y Mary Wigman, crearon nuevos
estilos de movimiento con un progresivo
acercamiento al realismo. Se amplió la
capacidad de movimiento con un uso más
libre del cuerpo.
En la década de 1930, Massine inventó el
ballet sinfónico, que trataba de expresar el
contenido musical de sinfonías de los compositores
alemanes Ludwig Van Beethoven y Johannes
Brahms. Balanchine a su vez comenzó a crear
ballets abstractos. Jewels (1967) está
considerado como el primer ballet de larga
duración de este tipo.
Durante los años 40 se fundaron en Nueva
York dos grandes compañías de ballet, el
American Ballet Theatre y el New York City
Ballet. A partir de la segunda mitad del
siglo XX, se han creado compañías de ballet
en muchas ciudades de Estados Unidos y de
Canadá.
En los años 50, las compañías rusas
(la del teatro Bolshói y el teatro Kírov, por
ejemplo) hicieron por primera vez
representaciones en Occidente. La influencia
rusa sobre el ballet ha sido inmensa. Encontrándonos
con los famosos casos de deserción como
Rudolf Nureyev, Natalia Makárova, y Mijaíl
Baryshnikov, director del American Ballet
Theatre de Nueva York, desde 1980 hasta 1989.
En España hay que destacar la figura de Víctor
Ullate, quien en 1979 se convierte en el director
del Ballet Nacional de España. En 1987 Maia
Plisiétskaia fue nombrada directora artística del
Ballet Lírico Nacional. La incorporación del
coreógrafo y bailarín español Nacho Duato como
director artístico de la Compañía Nacional en 1990 ha supuesto un cambio innovador en la historia de la compañía, que ahora se ha alejado del ballet clásico propiamente dicho para acercarse de lleno a la Danza Contemporánea.
Finalmente hay que destacar el esfuerzo cubano
en el desarrollo del ballet con su “Ballet Nacional
de Cuba”, fundado y dirigido por Alicia Alonso.
El repertorio del ballet actual ofrece una gran
variedad de estilos e influencias. Coexisten
ballets modernos y los pertenecientes al
repertorio clásico, aunque podemos decir que
es la danza contemporánea la que está ganando
actualmente el terreno.
Publicado por: Yessica & Alex
a partir de los números de danza que se
representaban en los festines de las cortes
italianas. Estos elaborados espectáculos que
desprendían pintura, poesía, música y danza,
tenían lugar en grandes salas que se utilizaban
tanto para banquetes como para bailes. Su
contenido era normalmente alegórico-mitológico.Los ballets cortesanos italianos fueron
ampliamente desarrollados en Francia. El
Ballet cómico de la Reina, el primer ballet
del que sobrevive una partitura completa, se
estrenó en París en 1581. Fue creado por
Beaujoyeux y bailado por aristócratas aficionados en un salón con la familia real sobre un estrado al fondo y los espectadores en las galerías de los otros tres lados del salón. Ello determinó el carácter de los futuros ballets cortesanos, que cristalizaron en el siglo XVII en las diferentes cortes europeas con sus presuntuosos vestuarios, decoración, fuentes artificiales, luminotecnia, etc.
El ballet de corte alcanzó su cumbre durante
el reinado de Luis XIV (1643-1715), cuyo
nominativo de “Rey Sol” derivó de un papel
que ejecutó en un ballet. Muchos de los ballets
presentados en su corte fueron creados por el
compositor italiano francés Jean Baptiste Lully
y el coreógrafo francés Pierre Beauchamps, a
quien se atribuye la determinación de las cinco
posiciones básicas de colocación.
En 1661, Luis XIV fundó la “Academia Real de
la Danza” para maestros . La danza empezaba
a configurarse como una disciplina profesional.
En un primer momento solo los hombres podían
participar, y los papeles femeninos los realizaban
estos mismos disfrazados. Las primeras
bailarinas aparecieron en 1681 en un ballet
llamado “El triunfo del amor”.
La técnica de la danza en este periodo,
recogida por Raoul Feuillet en su libro
“Coreografía”, incluía pasos y posiciones
todavía identificables. Se desarrolló una
nueva forma teatral: la ópera ballet, que
abarcaba el canto y la danza en una serie
de danzas unidas por un tema común.Los bailarines del siglo XVIII se veían
entorpecidos por los trajes, zapatos, pelucas
y miriñaques.
Fue Marie Anne Camargo quien acortó las
faldas y empezó a usar zapatillas sin tacón,
para exhibir sus pasos y saltos. Su rival, María
Sallé desechó el corsé y se colocó túnicas griegas
para bailar “Pigmalión”.
A pesar del virtuosismo de los bailarines
franceses, los coreógrafos que trabajaban
fuera de París consiguieron una expresión más
dinámica en sus ballets. Fue John Weaver quien
eliminó las palabras e intentó transmitir sentido
dramático por medio de la danza y el gesto. En
Viena se dio a conocer la pantomima.
En este sentido hay que destacar la figura de
Jean Georges Noverre, cuyas Cartas sobre la
danza y los ballets (1760) ejercieron una notable
influencia. Para él, los movimientos debían fluir
naturales y armónicos. Noverre encontró una
oportunidad para plasmar sus ideas en Stuttgart, A
lemania, donde produjo por primera vez
“Medea y Jasón”.
Jean Dauberval, alumno del anterior, en su
ballet “La fille mal gardée” (La muchacha mal
custodiada, 1789) aplicó los principios de su
maestro.
La danza en puntas empezó a desarrollarse,
aunque los bailarines se ponían de punta sólo
unos instantes, ya que aún no se habían inventado
las zapatillas de punta dura.
El ballet "Las Sílfides", cuya primera
representación tuvo lugar en París, inauguró
el período del ballet romántico. María Taglioni,
solista, interpretaba una criatura sobrenatural
que es amada y destrozada de forma involuntaria
por un mortal. Las sílfides inspiraron muchos
cambios en los ballets de la época.
También debemos mencionar “Giselle” (1841),
con música de Adam y coreografía de Jean Coralli.
El ballet romántico, sin embargo, no se inspiró
exclusivamente en temas sobre seres de otro
mundo.
Las mujeres dominaban (y aún lo siguen haciendo)
en el ballet romántico.
Entre el ballet que vivía un proceso expansivo en
Europa y la escuela bolera (danza académica
española) surgió un importante vínculo. Los temas
españoles comenzaron a estar de moda en los
repertorios de los ballets. El gran Marius Petipa
cristalizó la esencia española dentro del ballet
clásico, produciendo entre 1847 y 1888 junto
a Ivanov una serie de ballets y fragmentos de
aire y estilo españoles que son verdaderas obras
maestras.
Pero en Europa el ballet empezaba a perder
interés. Durante la segunda mitad del siglo XIX
se produjeron pocos ballets destacables en la
Ópera. Aunque sí que podemos señalar
“Coppélia”, “Sylvia” y “La fuente”, con
música de Leo Delibes.
Rusia, sin embargo, sí que siguió con la tradición
del ballet, gracias al coreógrafo Marius Petipa.
Entre sus obras están los ballets quizás más
conocidos: “La bella durmiente” (1890), “El lago
de los cisnes” y “Cascanueces”, las tres en
colaboración con Liev Ivanov, sobre música de
Piotr Ilich TChaikovski.
Petipa llegó a convertirse en un punto dereferencia. Fokine hizo hincapié en la idea de
la expresividad.
Los Ballets Rusos, fundados por S. Diaghilev con
la colaboración del anterior, supusieron el inicio
del ballet moderno. Supuso el resurgir de la figura
masculina que había sido olvidada y la aparición
de nombres como Vaslav Nijinski. La compañía
creó un gran número de nuevas piezas, incluido un
ballet de un solo acto de Fokine de temática
oriental: “El pájaro de fuego” (1910),
“Sheherazade” (1910) y “Petruska” (1911).
Diaghilev contrató no solo a compositores y
coreógrafos sino también a artistas, pintores,
poetas y compositores de Europa occidental,
como Pablo Picasso y Maurice Ravel, para
colaborar con los ballets. George Balanchine, y
el bailarín y coreógrafo ruso francés Serge Lifar
abrieron nuevos horizontes al ballet.
Aquellos artistas que habían colaborado en la
compañía contribuyeron al florecimiento del ballet
en Europa y América. Anna Pavlova, que bailó en
las primeras épocas de los Ballets, creó su propia
compañía. Fokine trabajó con el futuro American
Ballet Theatre. Massine colaboró con el Ballet
Ruso de Monte Carlo, compañía creada tras la
muerte de Diáguilev. Dos antiguos miembros de
los Ballets Rusos, Marie Rambert y Ninette de
Valois, colaboraron en la difusión británica del
ballet. De Valois fundó la compañía que llegaría a
ser el Britain’s Royal Ballet.
Entre los años 1920 y 1930 comenzó a
desarrollarse en Estados Unidos y Alemania
la danza moderna. Martha Graham, Doris
Humphrey y Mary Wigman, crearon nuevos
estilos de movimiento con un progresivo
acercamiento al realismo. Se amplió la
capacidad de movimiento con un uso más
libre del cuerpo.
En la década de 1930, Massine inventó el
ballet sinfónico, que trataba de expresar el
contenido musical de sinfonías de los compositores
alemanes Ludwig Van Beethoven y Johannes
Brahms. Balanchine a su vez comenzó a crear
ballets abstractos. Jewels (1967) está
considerado como el primer ballet de larga
duración de este tipo.
Durante los años 40 se fundaron en Nueva
York dos grandes compañías de ballet, el
American Ballet Theatre y el New York City
Ballet. A partir de la segunda mitad del
en muchas ciudades de Estados Unidos y de
Canadá.
En los años 50, las compañías rusas
(la del teatro Bolshói y el teatro Kírov, por
ejemplo) hicieron por primera vez
representaciones en Occidente. La influencia
rusa sobre el ballet ha sido inmensa. Encontrándonos
con los famosos casos de deserción como
Rudolf Nureyev, Natalia Makárova, y Mijaíl
Baryshnikov, director del American Ballet
Theatre de Nueva York, desde 1980 hasta 1989.
En España hay que destacar la figura de Víctor
Ullate, quien en 1979 se convierte en el director
del Ballet Nacional de España. En 1987 Maia
Plisiétskaia fue nombrada directora artística del
Ballet Lírico Nacional. La incorporación del
coreógrafo y bailarín español Nacho Duato como
director artístico de la Compañía Nacional en 1990 ha supuesto un cambio innovador en la historia de la compañía, que ahora se ha alejado del ballet clásico propiamente dicho para acercarse de lleno a la Danza Contemporánea.
Finalmente hay que destacar el esfuerzo cubano
en el desarrollo del ballet con su “Ballet Nacional
de Cuba”, fundado y dirigido por Alicia Alonso.
El repertorio del ballet actual ofrece una gran
variedad de estilos e influencias. Coexisten
ballets modernos y los pertenecientes al
repertorio clásico, aunque podemos decir que
es la danza contemporánea la que está ganando
actualmente el terreno.
Publicado por: Yessica & Alex
La histiria del Rap
Rap
estilo musical que surge en los barrios negros e
hispanos neoyorkinos. Vinculado desde principios
de los 80 a los ambientes de la cultura hip-hop,
a imagen y semejanza de ésta integra diversas
corrientes, como la break dance music, el electro, el graffiti urbano o el scratch.
Si el hip hop se distinguió por evolucionar a
partir de las formas primigenias de la música
religiosa de la comunidad negra de
Estados Unidos, a través de una expresividad
laica y popular que se concilió muy a menudo
con el funk, el rap se desarrolla sobre todo por
dos vías: rompe sus lazos con el funk y la música
disco de consumo acentúa su relación con el break dance al tiempo que radicaliza sus signos de identidad callejeros mediante formas autónomas y un lenguaje específico y combativo. En sus primeras manifestaciones, y siguiendo la pauta break, el rap surgió de las operaciones que en las salas de baile ejecutaba un disc jockey utilizando uno o varios temas, al objeto de conseguir de las interrupciones y mezclas resultantes una composición que sirviera como vehículo sonoro a la recitación del solista o, con mayor frecuencia, a un nutrido conjunto de intérpretes. La púa del tocadiscos, en consecuencia, se convertía en un elemento fundamental de los temas rap y mediante las ráfagas breves y reiterativas, salpicadas de arrastres rítmicos, enfatizando rimas que se nutren de jergas, efectos onomatopéyicos, bromas y consignas, se desencadenaba un juego de réplicas y contrarréplicas muy sugestivo, que a su vez se complementaba con provocativas escenificaciones.
Estos rasgos esenciales del rap --en especial todo
lo que se refiere a sus letras-- tienen su origen
en las fórmulas publicitarias emitidas por radio y
televisión donde dos o más personas conversaban
coloquialmente sobre un producto, combinadas con
las remezclas de música disco que los jóvenes
negros, hispanos y chicanos empleaban para
bailar y divertirse al aire libre en los ghettos.
Por ello el rap tuvo en sus comienzos un alcance
limitado, pues raras veces penetraba en el
ámbito de las discotecas, copadas por temas
comerciales también interpretados por negros
(como Grace Jones, Chic y Tina Turner). El
tema 'Rapper´s delight', de Sugar Hill Gang,
editado en 1979, fue una de las composiciones
estrella de este estilo, que se inscribía en el
ámbito ecléctico practicado por bandas
fundacionales como Afrika Bambaata and
The Soul Sonic o el más radical de Grandmaster
Flash and the Furious Five. Pero es a partir de
los años 90 cuando los álbumes rap alcanzan una
presencia regular en las listas de éxitos de la
revista Billboard y el estilo se diversifica,
atrayendo a sus filas de adeptos a músicos
blancos.
http://www.raperos.com/historia-del-rap/
Publicado por: Yessica & Alex
estilo musical que surge en los barrios negros e
hispanos neoyorkinos. Vinculado desde principios
de los 80 a los ambientes de la cultura hip-hop,
a imagen y semejanza de ésta integra diversas
corrientes, como la break dance music, el electro, el graffiti urbano o el scratch.
Si el hip hop se distinguió por evolucionar apartir de las formas primigenias de la música
religiosa de la comunidad negra de
Estados Unidos, a través de una expresividad
laica y popular que se concilió muy a menudo
con el funk, el rap se desarrolla sobre todo por
dos vías: rompe sus lazos con el funk y la música
disco de consumo acentúa su relación con el break dance al tiempo que radicaliza sus signos de identidad callejeros mediante formas autónomas y un lenguaje específico y combativo. En sus primeras manifestaciones, y siguiendo la pauta break, el rap surgió de las operaciones que en las salas de baile ejecutaba un disc jockey utilizando uno o varios temas, al objeto de conseguir de las interrupciones y mezclas resultantes una composición que sirviera como vehículo sonoro a la recitación del solista o, con mayor frecuencia, a un nutrido conjunto de intérpretes. La púa del tocadiscos, en consecuencia, se convertía en un elemento fundamental de los temas rap y mediante las ráfagas breves y reiterativas, salpicadas de arrastres rítmicos, enfatizando rimas que se nutren de jergas, efectos onomatopéyicos, bromas y consignas, se desencadenaba un juego de réplicas y contrarréplicas muy sugestivo, que a su vez se complementaba con provocativas escenificaciones.
Estos rasgos esenciales del rap --en especial todo
lo que se refiere a sus letras-- tienen su origen
en las fórmulas publicitarias emitidas por radio y
televisión donde dos o más personas conversabancoloquialmente sobre un producto, combinadas con
las remezclas de música disco que los jóvenes
negros, hispanos y chicanos empleaban para
bailar y divertirse al aire libre en los ghettos.
Por ello el rap tuvo en sus comienzos un alcance
limitado, pues raras veces penetraba en el
ámbito de las discotecas, copadas por temas
comerciales también interpretados por negros
(como Grace Jones, Chic y Tina Turner). El
tema 'Rapper´s delight', de Sugar Hill Gang,
editado en 1979, fue una de las composiciones
estrella de este estilo, que se inscribía en el
ámbito ecléctico practicado por bandas
fundacionales como Afrika Bambaata and
The Soul Sonic o el más radical de Grandmaster
Flash and the Furious Five. Pero es a partir de
los años 90 cuando los álbumes rap alcanzan una
presencia regular en las listas de éxitos de la
revista Billboard y el estilo se diversifica,
atrayendo a sus filas de adeptos a músicos
blancos.
http://www.raperos.com/historia-del-rap/
Publicado por: Yessica & Alex
lunes, 12 de diciembre de 2011
Baile Callejero/Bailes Hip Hop o Street Dance
La danza Hip Hop llamada en términos genéricos,Street Dance o Danza Urbana, se refiere a los
diferentes estilos de danza de la calle bailados sobre
todo con música Hip Hop.
La primera danza original asociada al Hip Hop es
el Breakdance, que apareció en Nueva York durante
los años 70 y se convirtió en un elemento de base de
la cultura Hip Hop. El Breakdance, como los varios
estilos de danzas Funk, el Locking y el Popping
que fueron incorporados en el Hip Hop entonces,
están ahora considerados como estilos Old School
(vieja escuela).
En los años 90, la evolución de la música Hip Hop
tomó nuevas formas y nuevos estilos de danza.
Empezaron a aparecer, estilos que se diferenciaron
del Breakdance por bailarse de manera vertical
dejando las posiciones del suelo. Estos estilos más
recientes se refieren a estilos como
New Style o Hype de la nueva escuela.
OLD SCHOOL HIP HOP
Las raíces del Hip Hop se pueden encontrar en las
block parties(fiestas de manazanas) de los
años 70 que tuvieron lugar en Nueva York,
en particular en el barrio del Bronx.
El Breakdance apareció durante aquella época y
se conoce como el primer estilo de danza que
constituyo la cultura Hip Hop.
En los años 80, muchos estilos de danza Funk
de los años 70s tal como el Popping y el Locking
seguiron desarollandose y se difundieron para
luego combinarse al estilo breakdance o Bboying
y integrarse a la cultura Hip Hop.
Hoy, muchos de los estilos Old School siguen
siendo de actualidad más que nunca: en la calle,
en las discotecas, en las escuelas de baile, en todos
los campeonatos de Hip Hop del mundo y, por
supuesto, en las videos de música Hip Hop, Pop y
comercial.
Publicado por: yessica & Alex
jueves, 8 de diciembre de 2011
Hip-Hop Music
El hip-hop: es un movimiento artístico que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos como Queens.La música hip hop o rap es un género musical que se desarrolló como parte de la cultura hip hop, y se define por cuatro elementos estilísticos: MC, DJ/turntablism, sampling (o sintetización de sonido) y beatboxing. El hip hop comenzó en el South Bronx de Nueva York a comienzos de los años 1970. El término rap suele utilizarse como sinónimo de hip hop, si bien hip hop también hace referencia a las prácticas de toda esta subcultura.
Origenes del Hip-Hop
Las raíces del hip hop pueden encontrarse en la música afroamericana y últimamente en la música africana. Los griots de África Occidental son un grupo de cantantes y poetas viajeros que forman parte de una tradición oral que se remonta a cientos de años atrás. Su estilo vocal es similar al de los raperos. Otras manifestaciones afroamericanas como signifyin', the dozens y el jazz poetry son descendientes de los griots. Adicionalmente, grupos de "humor" musical como Rudy Ray Moore y Blowfly están considerados por algunos como los abuelos del rap.Los inmigrantes jamaiquinos también tuvieron gran influencia sobre el estilo vocal del rap al aportar sencillos raps característicos que entonaban en las fiestas y que estaban inspirados por la tradición jamaiquina del toasting, solían añadir cánticos de "llamada y respuesta", frecuentemente formados por estribillos básicos, que permitiían a los intérpretes espacio para reunir sus pensamientos.
Influencia de la música disco
La música hip hop fue influida tanto por la música disco como por la reacción que se produjo contra ella. De acuerdo a Kurtis Blow, los primeros días del hip hop estuvieron caracterizados por divisiones entre fans y detractores del disco. El hip hop había surgido en buena medida como "una respuesta directa a la música disco rebajada y europeizada que se había hecho con las ondas",17 18 estando el primer hip hop basado principalmente en loops de hard funk. Sin embargo, hacia 1979, las instrumentales basadas en temas de disco se había convertido en buena parte de la base del hip hop. Este género adoptó el nombre de "disco rap". Irónicamente, la música hip hop tuvo un papel central en la decadencia que a continuación vivió la música disco.EJEMPLOS DE BAILES: Hip-Hop
Os recomendamos que veais este video de Hip-Hop de los Jabbawokeez, uno de los mejores grupos en cuanto a coordinación, originalidad y fuerza...Esperamos que os guste!! =)
Como ejemplo os invitamos a que le hecheis un vistazo a este video que dejamos aqui sobre el Popping una de los variantes del Hip-Hop original. Vereis como os dejara sorprendido!!
Publicado por: Domaris y Alex
Informacion Original extraida de: http://es.wikipedia.org/wiki/Hip_hop incluyendo aportación personal.
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